12 влиятельных женщин-дизайнеров в истории моды

12 влиятельных женщин-дизайнеров в истории моды


Задолго до того, как в 1981 году был объявлен Месяц женской истории, женщины-дизайнеры и пионеры моды прокладывали свои собственные пути, чтобы наделить женщин одеждой, которая вселяет уверенность, и создать рабочие места, обеспечивающие средства к существованию.

В то время как миллионы людей ассоциируют моду исключительно со стилем, эти трубадуры использовали свой дизайн, чтобы создать более индивидуалистичный способ самовыражения и изменить предвзятые представления о том, какой должна быть женщина. Они не стремились к конформизму.

Интересно, однако, что эти лидеры часто создавали одежду, заботясь о комфорте, чтобы позволить обладательнице проявить свои истинные чувства. WWD изучила свои архивы, чтобы показать, как эти креативные женщины по-прежнему влияют на моду сегодня. Нечасто мода становится гениальной, но время от времени это проявляется. В своем фирменном бежевом тюрбане и простой манере одеваться мадам Грес была незаметна, если не считать ее приверженности тому виду искусства, который она обожала, — кутюрье. Урожденная Жермен Эмили Кребс, она взяла себе псевдоним Аликс Бартон в качестве модистки. В 1936 году она оставила свой след в мире моды под именем Аликс, а к 1942 году рассталась с Бартон и взяла фамилию Грес, поскольку в 1942 году вышла замуж только за одного человека.

Мадам Грес, или просто Грес, как ее стали называть, экспериментировала с тканями и формами, чтобы достичь совершенства. Будучи опытным скульптором, она привнесла математическую гибкость в дизайн тканей. Известно, что она не пользовалась ни узорами для шитья, ни тканями (муслином), а использование иголки и ниток свела к минимуму, потому что, как она часто заявляла, у нее не было другого выбора. “С самого начала…У меня не было знаний. Я брал материал и работал непосредственно с ним.

Я использовал те знания, которые у меня были, а именно скульптуру”, — рассказывал кутюрье WWD в 1963 году. Ее знаменитые платья-колонки в греческом стиле 1930-х годов, сшитые из шелка, вискозы, а позже из полиэстера, являются основой ее творчества. Платья, скроенные и сшитые по фигуре, от края до края, не похожие друг на друга, с использованием в среднем от 13 до 23 метров неразрезанной ткани, оставались невесомыми. На протяжении всей своей карьеры Грэс продолжала испытывать влияние мультикультурных костюмов.

В 1950-х и 1960-х годах, когда ее дом процветал, она представила свои духи Cabochard (что переводится как “упрямый”). По иронии судьбы, название успешного аромата было сочтено подходящим для Грэс, учитывая ее отношение к дизайну чего—либо, кроме кутюрье, — свою первую коллекцию готовой одежды она создала в 1981 году, — что в конечном итоге ограничило рост дома.

То, как Грэс подходила к своему творчеству, говорило о необычности ее таланта. Но ее смерть, как и вся ее жизнь, была окутана тайной. Хотя в 1994 году в модной прессе появилось ложное сообщение об этом, ее дочь держала фактическую кончину годом ранее в секрете. Высокая оценка работы Грэс позволила времени сохранить ее самые важные вещи, а также сохранить ее приверженность моде, которую она любила, и ее наследию.

До своей смерти в Париже в 1971 году в возрасте 87 лет Габриэль Бонер “Коко” Шанель до последней минуты работала над своей коллекцией от кутюр. Многие считают ее величайшей модельеркой, которая когда-либо жила на свете, и она создала не только образ, но и дух моды.

Помимо того, что она оказала влияние на большинство лучших молодых дизайнеров своего времени в Европе и США, она продолжает оказывать влияние на современную моду. На протяжении 60 лет Шанель воплощала свой фирменный стиль, просто надевая свои творения.

Освободив женщин от корсетов и другой ограничивающей одежды, она позаимствовала кое-что из мужской одежды и создала спортивный повседневный шик в стиле эпохи после Первой мировой войны. Костюм Chanel, маленькое черное платье, бижутерия, тренчи, сумочка из стеганой кожи, водолазки, брюки, бушлаты и аромат Chanel № 5 остаются неизменными и по сей день.

Пабло Пикассо однажды сказал, что Шанель обладает “большим здравым смыслом, чем любая другая женщина в Европе». ”Ее карьера началась примерно в 1912 году (хотя она говорила, что это был 1914 год) с открытия небольшого шляпного магазина в Довиле. Поскольку ее жених был на войне, она искала что-нибудь, чем можно было бы скоротать время.

Однажды, позаимствовав свитер у жокея на скачках, чтобы защититься от холода, Шанель в течение недели представила свитера всем “элегантным дамам Довиля”. Провокационная и противоречивая, Шанель подверглась критике со стороны многих за ее романтические отношения с немецким дипломатом во время Второй мировой войны и в последующие годы.

В 1954 году дизайнер вернулась в Париж и вновь открыла свой дом моды. В последующие годы Шанель, родившаяся в бедности, создала свой бизнес и последователей. История очарования Шанель началась в 1956 году, когда WWD сообщила о том, что ее заметили, когда она незаметно проскользнула из своих апартаментов в отеле Ritz в свой дом моды на другой стороне улицы. “Она любит сигареты, кино, одиночество, редко видится с друзьями и как можно чаще ездит в Швейцарию, чтобы отвлечься от дел”, — отмечалось в статье. Когда герцог Вестминстерский предложил ей выйти за него замуж, Шанель, как известно, отказала ему, сказав: “Герцогинь много, но Коко Шанель только одна”. Как знаток вкуса, Шанель неизбежно сталкивалась со своей долей подделок и копий.

Однажды она сказала, что у Ива Сен-Лорана “превосходный вкус». Чем больше он копирует меня, тем лучше у него вкус”, — сказала она. По сообщениям, несколько тысяч человек собрались у церкви Ла Мадлен во время ее похорон в 1971 году. “Современная одежда уместна только в том случае, если она работает.. и уходить в историю из-за необычных идей — это не современно”, — сказала Бонни Кэшин в интервью WWD в 1968 году. Кэшин отличалась тем, что уделяла особое внимание стилю одежды, а не рыночным категориям, например, платьям, костюмам и другим товарам, что было нормой на Седьмой авеню.

Родившаяся в Окленде, Калифорния, и выросшая в Сан-Франциско и Лос-Анджелесе, Кэшин отличалась прагматизмом. Ее склонность к дизайну проявилась в детстве. Ее мать владела магазином одежды на заказ, и Кэшин начала рисовать еще в раннем детстве. Перед окончанием средней школы, в возрасте 16 лет, Кэшин разработала костюмы для местной танцевальной труппы в Fanchon and Marco. Понимание важности функциональности в дизайне было одной из сильных сторон Кэшин. После переезда на Манхэттен, чтобы изучать танцы и посещать курсы в Лиге студентов-художников, она в 30-х годах занималась дизайном костюмов для театра Roxy. Увидев дизайн Кэшин на сцене, Кармел Сноу, главный редактор американского издания Harper’s Bazaar с 1934 по 1958 год, порекомендовала ее в компанию Adler &amp, Adler, к которой она присоединилась на полный рабочий день в 1938 году. Не будучи поклонником стиля мышления «Седьмой авеню», Кэшин позже попал в Голливуд в качестве художника по костюмам в студии Twentieth Century Fox.

Создав костюмы для 60 фильмов, она вернулась в Нью-Йорк, выпустила коллекцию для Adler &amp, Adler, которая в том же году получила премии Coty award и Neiman Marcus award. В 1951 году она основала собственную дизайн-студию. В последующие 30 с лишним лет Кэшин создавала пончо, кожаные твидовые костюмы в полоску, кашемировые свитера с геометрическим принтом и многое другое. Большие внутренние карманы, вшитые сумки и застежки в виде лошадей — вот некоторые из ее отличительных черт.

В 1964 году Коуч привлекла Кэшин к разработке женских аксессуаров — то, что она впервые использовала в своих проектах в 30-х годах. Американская пионерка спортивной одежды продолжала руководить своей дизайн-студией вплоть до середины 80-х. Кэшин, которая умерла в 2000 году, в значительной степени держась на расстоянии от модных условностей, в значительной степени не была отмечена за ее многогранный дальновидный вклад в индустрию, который продолжает оказывать влияние на моду и сегодня. “Я не хотела быть загнанной в рамки какой-то одной компании или какой-то одной дизайнерской проблемы”, — сказала она однажды. “Я хотела создавать дизайн всего, что женщина надевает на свое тело. Я чувствовала, что дизайн для всего тела — это как художник создает композицию”. Клэр Маккарделл Миллионы людей по всему миру в любой момент могут быть одеты в балетки, спортивную одежду с большими карманами, купальники без бретелек, платья на молнии, комбинированные модели, женственный деним и монашеские платья.

Осознанно или нет, но они должны быть благодарны покойному модельеру Клэр Маккарделл. Такие предметы гардероба использовались многими поколениями людей и являются редким стилем одежды, который выдерживает испытание временем. Возможно, больше, чем любой другой американский дизайнер, Маккарделл освободил женщин от ограничений, связанных с подходящей одеждой. Ее работы, символизирующие образцовый “американский образ”, можно увидеть в Смитсоновском институте и Институте костюма Метрополитен-музея.

Маккарделл впервые получил престижную премию Coty award, предшественницу столь желанной награды Совета модельеров Америки, в 1943 году, а затем еще раз в 1956 году. Этот взлет был заметен для дизайнера, которая начала свою карьеру с рисования бутонов роз на абажурах ламп.

Маккарделл приписывают заслуги в продвижении американской спортивной одежды, но она никогда не афишировала свой вклад. После ее смерти от рака толстой кишки в возрасте 52 лет в 1958 году WWD подтвердил, что она никогда не делала заявлений о моде “я была первой, кто узнал об этом”, и утверждал, что в нее входит слишком много элементов, что “делало происхождение весьма спорным”. Но обратите внимание на ее фирменный образ.

Созданное в 1938 году “монашеское” платье отличалось большими накладными карманами, свободными рукавами и просторным кроем благодаря прямому крою от плеча до подола и присборенности на талии с помощью пояса или кушака. Три года спустя она сшила пять моделей, из которых можно было создать девять нарядов. Платье-поповер с запахом, созданное в 1942 году, было еще более универсальным, поскольку его можно было носить как вечернее платье, как домашнее платье, как купальный костюм или халат. Ее купальник-подгузник на завязках предвосхитил смелые стили пляжной одежды 1980-х годов. Вечерние платья на тонких бретельках, современные модели dirndl, peddle pushers и “платье в стиле поповер” — вот некоторые из других ее хитов.

Она также популяризировала трико и твидовые вечерние пальто. В журнальной статье 1955 года, написанной Бетти Фридан, Маккарделл писала: “Вы должны создавать дизайн, соответствующий жизни современных американских женщин”.





Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *